I miei libri
Libri pdf
http://www.frasicelebri.it/argomento/poesia/
http://www.frasicelebri.it/citazioni-e-aforismi/frasi/amore/
Italian English French German Portuguese Russian Spanish Turkish



Libri pdf
Home POETI

Blog letterario

I centri culturali del Rinascimento - Introduzione e Roma

Quando inizia il Rinascimento? Questa domanda è di semplice risposta. Dopo l'Umanesimo, dunque verso la fine del Quattrocento (la data cambia al cambiare dello storico che propone l'evento chiave di riferimento).

 

 


Quando finisce il Rinascimento? Questa domanda, a prima vista di ovvia risposta, quando il Manierismo anticipatore del Barocco inizia a minarne i fondamenti, verso la fine del XVI secolo, invece non è affatto ovvia.

Il Rinascimento non è affatto finito. Il Rinascimento è ora, poco più che una settimana fa.


Un articolo del Corriere della Sera del 19 Agosto 2016, appunto, riferiva l'allarme lanciato da studiosi americani su microfratture ad uno dei piedi del David di Michelangelo che comprometterebbe la stabiltà della statua.

Quelle microfratture sono note sin dall'Ottocento, replica qualcuno, di fatto però confermandone l'esistenza.

Perché gli Americani dovrebbero interessarsi ad un pezzo di marmo di 500 anni fa?

Perché quel pezzo di marmo rappresenta ancora oggi, agli Americani di oggi, l'esempio di bellezza alla quale Michelangelo e gli artisti rinascimentali tendevano.


 

E se tu avessi una statuetta del Rinascimento ed io avessi 100 euro, faremmo scambio? Me la venderesti? In fondo non è che un piccolo pezzo di marmo scolpito.

In un articolo de La Stampa del 2013, si riferisce di un'asta di Christie's a New York con 33 lotti del Rinascimento battuto alla cifra di più di 42 milioni di dollari.

Che se volete è anche poco.

Come è possibile, dunque, che pezzi di marmo vecchi, di 500 anni fa, creino lavoro, prestigio, compravendita ancora oggi?

Potenza del Rinascimento e più in generale della storia e della letteratura.

Gli Americani, dunque, si sono innamorati di Michelangelo e del Rinascimento da appena tre anni? Non è proprio così, da La primavera di Michelangelo (1965) a Estasi e tormento (1966), quando Charlton Eston interpretava "l'immortale" artista, gli Americani ammiravano le opere e il genio italiano tra Quattro e Cinquecento.

 


E prima degli Americani Tedeschi, Spagnoli, Inglesi, Francesi. Proprio i Francesi sono stati i primi a capirlo, perché già in quell'epoca, l'epoca di Francesco I, avevano investito ingenti capitali per creare la Scuola di Fontainbleau, a cui parteciparono Leonardo da Vinci, Rosso Fiorentino, Primaticcio e Benvenuto Cellini.


Dunque il Rinascimento non è un periodo storico delimitato da un inizio ed una fine o meglio un inizio storico ed una fine storica ce l'hanno, ma nella realtà delle cose il Rinascimento non è finito. Se andate adesso davanti ai musei di molte città italiane ci trovate file di turisti (alcuni dei quali noti alle cronache, purtroppo, per la maleducazione).


Come mai, allora, si ebbe il Rinascimento?

Beh, perché si ebbe l'Umanesimo, di cui era prosecuzione.

Perché si ebbe l'Umanesimo? Perché un nuovo periodo economico, sociale, politico era sorto in Italia ed in Europa.

Dell'Umanesimo perde la sua spinta civica alla partecipazione politica da parte degli intellettuali, ma mantiene intatto il desiderio di libertà da poteri costituiti che frenavano negli uomini passioni e sogni che non fossero allineati a certi diktat.

Perché il Rinascimento fu un fenomeno soprattutto italiano? A questa domanda ci vuole una risposta adeguata, che daremo dopo un ragionamento. Abbi, tu, lettore mio, la bontà di seguirmi.



I CENTRI CULTURALI DEL RINASCIMENTO


Il Rinascimento fu un periodo di scontro militare e politico, la politica equilibrata di Lorenzo il Magnifico si era con lui chiusa. Il figlio Giovanni, divenuto Leone X, se fu un mecenate di artisti fu anche un capo della Chiesa debole e poco politico, poco attento a capire i tempi che avrebbero prodotto Lutero e la Riforma.

Il nipote, Giulio de' Medici, divenuto Clemente VII, continuerà il mecenatismo artistico ma anche quella politica frammentata e irregolare che aveva caratterizzato le scelte del Papato degli ultimi secoli.

Morto dunque Lorenzo de Medici, instaurata la Repubblica di Savonarola, tentato il colpo di Stato contro il nipote Giulio (1522), l'Italia torna ad essere la terra dello scontro politico tra le grandi egemonie europee, i grandi stati italiani, Papato e Repubblica di Venezia particolarmente, e i piccoli poteri locali della Penisola.

La novità del Rinascimento, però, rispetto al Medioevo fu che lo scontro si spostò anche in campo artistico e divenne confronto.

Confronto tra città, ogni signore voleva chiamare a sé architetti e scultori, pittori e poeti, per renderla gloriosa e grande.

Confronto tra artisti, con l'episodio tratto dalle Vite di Vasari di Brunelleschi che un giorno, contemplando il crocifisso di Santa Croce di Donatello, apostrofò l'amico con queste parole: "Hai scolpito un contadino!".

Donatello, allora, lo invito a dimostrare di saper fare meglio e Brunelleschi, d'accordo con il clero di Santa Maria Novella, dove è oggi, scolpì il suo crocifisso con tono più solenne.

L'episodio è tratto dalle Vite di Giorgio Vasari che, anche attraverso l'aneddottica, riescono a restituire lo spirito di imitazione dei primi tempi che poi diventa superamento dei modelli e di sé stessi conducendo tanti artisti a realizzazioni talmente originali da stupire i contemporanei e risultare moderni anche a distanza di diversi secoli.

 

 

Da un punto di vista artistico, si noterà che Donatello in effetti disegna un Gesù lontano dall'ufficialità che lo vedeva regale, coronato dalle spine come nel passo evangelico, con i capelli lunghi come lo voleva la ritrattistica sacra sin dai primi secoli di Cristianesimo. In effetti quello di Donatello è Gesù poco sanguinante, un uomo, un contadino secondo la definizione dell'amico Brunelleschi, che affronta la croce con una serena pacifica dolcezza. Non c'è l'apologia del dolore, non c'è la passione. C'è un sonno dolce in una condizione difficile, quasi a esprimere la fede, così semplice eppure così difficile da sapere testimoniare.

Brunelleschi, invece, è più ancorato ad una visione ufficiale, con corona, testa bassa e di lato, sofferenza e sangue, realismo della passione. Un capolavoro meno nuovo rispetto al primo.

 

---

Dunque confronto, si diceva. Confronto anche tra idee, sulla lingua, sulla politica e sullo Stato, sull'arte, sulla corte, sulla scienza.

Gli artisti, i pittori, usando penne, pennelli, scalpelli o disegni e calcoli di cupole, erano divenuti dei guerrieri per conto di un signore che, se metteva a disposizione grandi somme per accontentarli e regalarsi capolavori, richiedeva loro un prezzo che ben presto ci si accorse di non volere, del tutto, pagare: la libertà.

 

GLI ARTISTI E LA LIBERTA' NEL PERIODO DELLE CORTI

Come hanno risposto gli artisti? Beh, da Michelangelo a Donatello, da Machiavelli, Ariosto e Tasso, gli artisti ci hanno lasciato, mascherato, il loro grido di libertà che ha attraversato i secoli e che ancora ci affascina, ancora ci dovrebbe far riflettere.

 

ROMA

 

A Roma la corte papale dell'epoca, corrotta, viziata, sfregiata da mali che di lì a poco avrebbero prodotto un nuovo e potente scisma religioso che sarebbe stato pretesto a guerre in nome della religione, quando di religioso non vi era nulla.

Il potere di Roma, dei Papi e quello degli imperatori, dei re, dei duchi o di chiunque altro in Europa usava la religione per scopi meramente politici, disinteressandosi del messaggio evangelico di Gesù di Nazareth e della sua legge di amore universale.

Così gli artisti, pur nominalmente elaborando quello che i padroni volevano, definirono spazi azzurri di libertà nel mare inquinato dei mecenati.

Del Giudizio universale, con quei dannati posti immediatamente sopra le teste di cardinali e Papa, con  quel Dio della Creazione così distante, con quel Cristo arrabbiato così in procinto di arrivare (a metà strada), sarà evidente la forza intrasmissibile a parole, quando voi entriate in quella sala e respiriate uno spirito che vi aleggia.

Del David, che rappresenta pur sempre la vittoria di un umile contro un superbo e che potrebbe velare la critica al gigante tronfio, la Chiesa, fatta da un umile artista vittorioso, Michelangelo stesso, si ricorderà che è la manifestazione più chiara di un'arte che fa carne il marmo, rendendo vivo, quasi morbido, un materiale di natura così duro e di difficile lavorazione.

Eppure le Stanze di Raffaello, con la raffigurazione di una Scuola di Atene in cui Aristole, Platone e gli antichi parlano di filosofia, dove l'elemento a un ritorno all'antico poteva essere anche monito alla Chiesa di tornare ad essere ciò che era stata. Non a caso l'avere Raffaello impresso se stesso e altri amici nelle immagini di altri filosofi che attendono i due protagonisti, può significare la Parusia, il ritorno del Maestro, di Gesù Cristo e del Padre che è un ritorno atteso dal credente (scandalizzato magari da come la Chiesa conducesse sé stessa).

 

Anche e soprattutto in Virtù e Legge, affresco realizzato nella Stanza della Segnatura (nelle Stanze Vaticane). Lì doveva essere la sede del tribunale presieduto dai Papi, quando Giulio II volle, invece, adibirci la propria biblioteca, trasferendosi dal piano inferiore, abitato da Alessandro VI predecessore osteggiato, e affrescate da Pinturicchio.

Qui, dove Giulio II e i successori studiavano, Raffaello evidentemente convincendo teologi e personaggi che vigilavano sul suo lavoro per conto del Papa, detta la più avvincente delle regole antitiranniche che ci ha lasciato: le Virtù e la Legge.

 

Le Virtù sono le tre che sovrastano la porta.

La Legge, (notare il singolare, Legge come Legge di Dio, Legge che praticando la giustizia - era pur sempre un tribunale - avrebbe dovuto richiamarsi ai principi evangelici). Due episodi per la Legge.

A sinistra Triboniano consegna le Pandette a Giustiniano. A destra Gregorio IX approva le Decretali.

Sarebbe un affresco a parete come tanti prima nei secoli e dopo, se non fosse per quella Virtù la quale, si gira rispetto alle altre che guardano altrove. La prima in alto, la seconda dritto, la terza appunto, in basso. In basso a destra, però, proprio rivolgendosi a Gregorio IX, alla Chiesa di Roma, che invece hanno sguardi diritti, materiali, politici, sguardi che restano tra loro.

Anche un angioletto, guarda in basso, rimarcando la condanna che Raffaello fa della corte papale del Cinquecento nella condanna ad un precedente della Chiesa.

Sia la Virtù che l'Angioletto, poi, si sbracciano per indicare dove il Papa e il seguito dovrebbero guardare. Come a indicare una meta che la Chiesa aveva dimenticato di inseguire.

 

MICHELANGELO, RAFFAELLO, sono solo alcuni dei tanti esempi di artisti del Rinascimento che anticipano Lutero, liberano se stessi, la fede in Gesù Cristo e l'arte dal potere di una corte che era divenuta bassa come bassa era la Roma che amministravano.

Basti ricordare i tanti episodi delle vite di Aretino e, molto dopo, Caravaggio, per affermare che i Romani erano sudditi del Papa anziché, come dice il Vangelo, suoi fratelli.

Nel tradimento della corte papale l'arte vede un tradimento all'umanità. E proprio questa condanna, questa libertà dentro leggi imposte dai Papi, fa di questi artisti geniali con il pennello, uomini, uomini liberi, uomini degni della loro umanità.

 

In letteratura, invece, a quel Giovanni della Casa, ecclesiastico, che in un fortunato libro descrive il canone del perfetto uomo di corte che adempie alle regole del Galateo, della buona educazione, c'è l'adesione a principi del Rinascimento che convenivano alla stessa corte vaticana. L'idea che l'uomo di corte debba essere educato collima con l'accettazione sociale del potere costituito, della non messa in discussione di chi governa, di un patto letterario tra chi quelle regole le impone e chi le osserva.

Proprio a questo classicismo elitario, a questo Paradiso del potere, si contrappone con virulenza selvaggia l'habitus del dialetto. Un senese come l'Aretino scrive in dialetto non solo per stile artistico bensì per una deliberata convinzione antidogmatica che lo porta a preferire prostitute, ubriaconi e poveri a cortigiani ligi al dovere e affettate donne dell'alta società.

 


 

 

THE CULTURAL CENTER OF THE RENAISSANCE

INTRODUCTION AND ROME

 

 

When it begins the Renaissance? This question is easy to answer. After Humanism, then, towards the end of the fifteenth century (the date changes with the historian who proposed the key event reference).








When you finish the Renaissance? This question, at first sight the obvious answer, when the forerunner of Baroque Mannerism begins to undermine the foundations, towards the end of XVI century, but it's not at all obvious.
The Renaissance is by no means finished. The Renaissance is now little more than a week ago.


An article in the Corriere della Sera on 19 August 2016, in fact, reported the alarm launched by American scholars of microcracks at the foot of one of Michelangelo's David that would jeopardize the read stability of the statue.
Those microfractures are known since the nineteenth century, replication someone, in fact, however, confirming its existence.
Why Americans should be interested in a piece of marble 500 years ago?
Because that piece of marble still is, to Americans today, the example of beauty to which Michelangelo and the Renaissance artists tended.
Michelangelo's David




And if you had a little statue of the Renaissance and I had 100 Euros, we would exchange? You sell me? After all is not that a small piece of carved marble.
In an article in La Stampa of 2013, it refers to a Christie's auction in New York with 33 lots of the Renaissance wrought the figure of more than $ 42 million.
That if you want it too little.
How is it, then, that pieces of marble old, 500 years ago, creating jobs, prestige, purchase today?
Power of the Renaissance, and more generally of the history and literature.
Americans, therefore, fell in love with Michelangelo and the Renaissance from just three years? Not really, from A Season of Giants (1965) in ecstasy and torment (1966), when Charlton Heston played "the immortal" artist, Americans admired the works and genius of Italian fifteenth and sixteenth centuries.






And before the Americans Germans, Spanish, British, French. Here the French were the first to understand this, because already at that time, the era of Francis I, had invested heavily to create the Fontainebleau School, attended by Leonardo da Vinci, Rosso Fiorentino, Primaticcio and Benvenuto Cellini.


Therefore, the Renaissance is not a historical period defined by a beginning and an end, or rather a historical beginning and an end historical have it, but in the reality of things the Renaissance is not finished. If you go now before the museums of many Italian cities you find lines of tourists (some of which are known to the news, unfortunately, for the rudeness).


Why, then, there was the Renaissance?
Well, why he did humanism, which was continuing.
Because he had Humanism? Because a new economic times, social, political, arose in Italy and in Europe.
Humanism loses its civic push to political participation by intellectuals, but retains the desire for freedom from the powers-that held passions in men and dreams that were not aligned to certain diktat.
Because the Renaissance was a phenomenon mostly Italian? To this question we need an adequate response, we will give after an argument. Have, you, my reader, the goodness to follow me.




CENTERS CULTURAL RENAISSANCE


The Renaissance was a time of military and political confrontation, the balanced policy of Lorenzo the Magnificent had him closed. His son John, who became Pope Leo X, where he was a patron of artists was also a head of the Church weak and not very political, very attentive to understand the times that would produce Luther and the Reformation.
Grandson, Giulio de 'Medici, who became Clement VII, will continue the artistic patronage but also fragmented and uneven policy that had characterized the choices of the papacy of the last centuries.
Dead Therefore Lorenzo de Medici, established the Republic of Savonarola, attempted coup against his nephew Giulio (1522), Italy becomes the land of the political struggle between the great European hegemony, the great Italian states, the Papacy and the Republic Venice especially, and small local powers of the peninsula.
The novelty of the Renaissance, however, compared to the Middle Ages was that the clash is also shifted in the arts and became comparison.
Comparison between cities, each gentleman wanted to call him architects and sculptors, painters and poets, to make it glorious and great.
Confrontation between artists, with the episode taken from Vasari's Lives of Brunelleschi that one day, contemplating the crucifix of Santa Croce di Donatello, the friend addressed him with these words: "You have carved a farmer."
Donatello, then, ask him to show that it can do better and Brunelleschi, along with the clergy of Santa Maria Novella, where it is today, he carved his crucifix with more solemnly.
The episode is taken from Giorgio Vasari's Lives which, through the anecdotal, manage to return the spirit of imitation of the first times that becomes overrun with the models and by conducting themselves in so many artists to be original creations amaze contemporaries and be modern even after several centuries.


the peasant crucified - Donatello Brunelleschi Crucifix


From an artistic point of view, you will notice that Donatello in fact draws a Jesus away by the officer who saw royal, crowned by thorns as in the Gospel passage, with long hair like he wanted the sacred portraiture from the early centuries of Christianity. In fact what Donatello is Jesus just bleeding, a man, a farmer as defined Brunelleschi's, facing the cross with a calm peaceful sweetness. There is the apology of pain, there is no passion. There is a sweet sleep in a difficult condition, as if to express the faith, so simple yet so difficult to know testify.
Brunelleschi, however, is more anchored to an official vision, with crown, head down and to the side, suffering and blood, realism of the Passion. A masterpiece again less than in the first.


---

So comparison, it was said. Comparison among ideas, language, politics and the State, on art, on the court, on science.
Artists, painters, using pens, brushes, chisels or drawings and calculations of domes, had become warriors on behalf of a man who, though was offering large sums to please and treat yourself masterpieces, required them a price that soon we he realized he did not want, at all, to pay: freedom.


ARTISTS AND FREEDOM 'IN THE PERIOD OF THE COURTS
How have the artists? Well, from Donatello to Michelangelo, Machiavelli, Ariosto and Tasso, the artists have left us, masked, their cry for freedom that has spanned the centuries and that still fascinates us, yet we should give pause.


ROME


In Rome, the era papal court, corrupt, spoiled, scarred by the evils that soon would produce a powerful new religious schism that would have been a pretext for war in the name of religion, when there was nothing religious.
The power of Rome, the Popes and the emperors, kings, dukes or anyone else in Europe was using religion for purely political purposes, ignoring a Gospel message of Jesus of Nazareth and his law of universal love.
So the artists, although nominally elaborating what the owners wanted, defined blue spaces of freedom in the sea polluted patrons.
The Last Judgment, with those damned places immediately above the heads of cardinals and Pope, with the God of Creation so far, with that Christ so angry about to arrive (halfway), the transmittable force in words will be obvious when you go in that room and respiriate a spirit that hovers.
Of David, which still represents the victory of a humble against a superb and could veil critical to inflated giant, the Church, made by a humble victorious artist, Michelangelo himself, he will remember that it is the clearest manifestation of an art that flesh marble, making it live, almost soft, a natural material so hard and difficult to machine.
Yet the Raphael Rooms, with the depiction of a School of Athens where Aristole, Plato and the ancients speak of philosophy, where the element to a return to the old could also be a warning to the Church to return to what it once was . Not by chance have the Raffaello imprinted himself and other friends in the images of other philosophers that await the two main characters, can mean the Second Coming, the return of the Master, Jesus Christ and the Father who is a believer from the expected return (maybe shocked from how the Church would lead itself).


Even and especially in Virtue and Law, fresco in the Signatura Room (in the Vatican Stanze). There was to be the seat of the court presided over by the Pope, when Julius II wanted, instead, adibirci its own library, moving from the lower floor, occupied by Alexander VI's predecessor opposed, and frescoed by Pinturicchio.
Here, where Julius II and studied the successors, Raphael evidently convinced theologians and characters who kept watch on his work on behalf of the Pope, that the most compelling of antitiranniche rules that left us: the Virtues and the Law.


Virtues are the three that dominate the door.
The Law, (note the singular, Law as the Law of God, the Law that doing justice - it was still a court - would have to refer to gospel principles). Two episodes for the Law.
Left Triboniano delivers the Pandects to Justinian. Right Gregory IX approving the Decretals.
It would be a wall fresco like many in the centuries before and after, if it were not for that Virtue which, turning over others which look elsewhere. The first at the top, the second straight, the third precisely, below. Bottom right, though, just turning to Gregory IX, the Church of Rome, who instead looks rights, material, political, looks that remain between them.
Even a little angel, looks down, noting the condemnation that Raphael is the papal court in the sixteenth century to a previous conviction of the Church.
Virtue is the angel, then, Tugging to indicate where the Pope and the result should look. As if to indicate a goal that the Church had forgotten to chase.


Michelangelo, Raphael, are just a few of many examples of Renaissance artists that anticipate Luther, free oneself, faith in Jesus Christ and the power of art from a court which had become low as the low was the Roma who administered.
Suffice it to recall the many episodes of Aretino lives and, much later, Caravaggio, to affirm that the Romans were subjects of the Pope instead, as the Gospel says, his brothers.
In betrayal of the papal court art sees a betrayal of humanity. It is this conviction, this freedom in laws imposed by the Popes, makes these brilliant artists with the brush, men, free men, men worthy of their humanity.


In literature, however, at that Giovanni della Casa, ecclesiastical, that in a successful book describes the canon of the perfect courtier complies with the rules of etiquette, good manners, there is adherence to the principles of the Renaissance who agreed to same Vatican court. The idea that the man of the court should be educated coincides with the social acceptance of the established power, not the questioning of those who govern, a literary pact between those who impose the rules and the observer.
Just this classicism elite, to this paradise of power, contrasts with the habitus wild virulence of the dialect. A Sienese like Aretino writes in dialect not only for artistic style but for a deliberate anti-dogmatic belief that led him to prefer prostitutes, drunks and poor courtiers loyal to duty and sliced society women.

 

Yves Bonnefoy ed Elie Wiiesel

 

A cavallo tra il 2015 ed il 2016, recando presso quel tempio affascinante, spazio azzurro dei miei sogni di ragazzo, che è una biblioteca pubblica, iintento ad infoltire il mio bagaglio di luce e conoscere nuovi poeti, nuovi versi e nuovi modi, mi trovai davanti all'edizione I Meridiani di Yves Bonnefoy. Aprii il libro con la mia usuale sacralità e lessi, mostrando tutto il mio credo pennacchiano.

Quei versi che lessi mi entrarono gentili dentro la pelle, dissetarono la sete della mia terra, mi incuriosirono. Né il solito Alleluja stanco e monocorde né l'iimmancabile siamo soli, godiamo, eccetera eccetera. Un uomo che ragionava. Un uomo dubbioso che ragionava. Un uomo che deve avere sofferto, data la sua gioia. Mi convinsero questi pensieri che Bonnefoy fosse un buon poeta da leggere. E lo invitai a casa mia.

 

Au tournant de 2015 et 2016, ce qui porte dans le temple fascinant, l'espace bleu de mes rêves d'enfance, qui est une bibliothèque publique, iintento pour épaissir mes bagages lumière et faire de nouveaux poètes, de nouveaux moyens et de nouvelles façons, je me suis retrouvé avant édition I Meridiani d'Yves Bonnefoy. J'ai ouvert le livre avec mon sacralité habituelle et lu, montrant toute ma conviction pennacchiano.
Ces versets que je lis, je suis genre dans la peau, la soif désaltérèrent de ma terre, ils réveillèrent. Ni la fatigue Hallelujah et terne habituelle ni iimmancabile nous sommes seuls, nous jouissons, et ainsi de suite. Un homme qui a raisonné. Un homme douteux motivée. Un homme doit avoir subi, compte tenu de sa joie. Ils me convaincre que ces pensées était Bonnefoy un bon poète à lire. Et je l'ai invité dans ma maison.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Di Elie Wiesel mi intrigò subito la figura di quel pazzo che andava avvertendo, andava girovagando ed avvisando tutti circa quello che aveva visto ma nessuno gli credeva. Quell'immagine descriveva i poeti o i profeti. Gente che, sarvognuno, è un sopravvissuto a qualche tragedia del cuore ma parla una lingua talmente alta da non essere compresa dagli altri.

Un sopravvissuto era proprio lui, Elie. Un sopravvissuto non solo al Nazismo ma alla gratuita cattiveria umana.

Un sopravvissuto che ci ha lasciato un tesoro di umanità che è il più manifesto esempio di come, prima delle armi, la resistenza etica e morale degli uomini ha sconfitto quella barbarie che è stata la dittatura.

A La notte, suo capolavoro, dobbiamo molto: quello di Wiesel, quello di Levi, non sono soltanto memorialistica, diari di guerra, narrativa storica con tutta la loro carica testimoniale, ma sono anche indelebile segno di infinita tristezza alla quale gli uomini sanno abbandonarsi quando perdono una luce, essa sia la fede o la ragione.

Quella stessa mezza umanità distratta che oggi non saluta Elie Wiesel è terreno per erbacce e cattivi propositi che invece gli altri, coloro che delle parole di Wiesel fanno Bibbia, Vangelo e Corano, devono ricordarsi che gli indugi fanno la storia e che per evitare sorprese bisogna rimanere come spose vigili alzate tutta la notte. Quando lo Sposo passerà le farà entrare in casa con sé.

La notte di Wiesel è proprio la notte della parabola, della veglia, della vigilia dell'evento salvifico che ogni uomo può cercare in sé e l'umanità tutta deve ambire a conoscere.

Fede o ragione, strade diverse per arrivare al sommo bene di una umanità che rifiuti categoricamente quei ritorni al passato così pericolosi e possibili quanto più si vorrebbe offuscare la voce del dissenso e dell'orrore.

Allora che il grido di allarme de La notte ci faccia star svegli, per tutto il tempo necessario. Finché ci sarà tempo.

 

E a te, Elie, la terra ti sia lieve e la pace ricolmi il tuo spirito.

Vito.

 


 

Nostos, il ritorno (1989)

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Nostos, il ritorno (1989)

un film di Franco Piavoli

interpreti: Luigi Mezzanotte, Branca de Camargo, Giuseppe Marcoli, Alex Carrozzo, Alessandra Agosti, Nicola Colella, Ginevra Alighieri

Durata: 84 min

Distribuzione:  Medusa Video

Avvertenza: Dialoghi del film ispirati a suoni di antiche linghe mediterranee

Pellicola ardita, come ardito è l’Ulisse già diventato Odisseo e tormentato dalla bellezza infinita del gioco fanciullesco del cerchio nella sua Itaca dalle lunghe albe dorate.

Film struggente e poetico. Anzitutto a parlare tornano le immagini, in un cinema primitivo che sa esprimere se stesso nella contemplazione della selvaggia natura, del mare spumoso, del sole e della luna che si nascondono nel chiaroscuro di cataste di nugoli accesi ai bagliori del cielo.

Odisseo è Nostos, nostoi in greco vuol dire maliconia. La malinconia è proprio il sentimento primo che viene in mente vedendo questo film ed è rappresentato, come svela anche il regista nella sua intervista, dal quell’attimo candido in cui al protagonista sperso nel mare che con difficoltà cerca di avanzare verso la salvezza e la patria il gioco di sovrapposizione di una grande luna piena lo protegge e gli parla.

Tutto, dal ricordo peccaminoso della guerra, ai compagni affaticati, alla discesa verso mondi sotterranei che interrogano il senso della vita, al cosmico dolore per essere l’unico sopravvissuto ad un mare che non perdona chi della morte fece la propria bandiera, a quella Calipso che è amore e dolcezza insieme, senza per altro bastare, tanto è vivo in Odisseo- Nostos il bambino che fu.

Proprio il bambino è quello che si rimette alla mercé del mare, alla ricerca del passato, al ritorno all’origine, come se più conosci il mondo e ti avventuri in esso e più rimpiangi gli inizi, le cose dalle quali il tempo e gli eventi ti hanno allontanato.

I dialoghi sono pochi e tutti svolti con grida, con mugugni, con frasi di un antico greco che è lingua come suono, restituzione dell’importanza della parola come musica.

Le musiche strumentali che accompagnano gli eventi aiutano l’azione lenta del film a destare l’opportuna riflessione sul destino cosmico dell’uomo rappresentato millenni fa da Omero attraverso Ulisse. Il ritorno a casa è tratteggiato con soffice ma decisa epicità nei tanti primo piano a cui il regista lega la portata essenziale del momento nei tratti dell’uomo antico, ancora silenzioso e meditativo.

La meditazione è altro tocco scenico forte di questo lavoro. Non per altro Penelope è tratteggiata come ombra che lavora la sua famosa tela.

Nostos ha raggiunto la visione, la felicità, il ritorno. La malinconia diventa visione luminosa e numinosa di una moglie tanto cara che né i dolori e né le gioie della guerra e del viaggio gli hanno saputo portare via.

Riposare dentro una cassapanca la tela è l’ultimo gesto, il più gradito, l’avveramento della promessa e della speranza, il mite e più eroico dei momenti, la fine e l’inizio, la pace domestica, la malinconia che si trasforma in gioia.

 

Intervista all'autore, Vito Lorenzo Dioguardi

INTERVISTATRICE - Salve e grazie per avere accettato la nostra intervista.

AUTORE - Grazie a voi!

I - Allora, Vito Lorenzo Dioguardi, lei ha scritto sia romanzi che racconti che raccolte poetiche. Si sente più scrittore o poeta?

AUTORE - Poeta. Ho scritto la mia prima poesia pubblica in quinta elementare. Da allora non mi sono mai fermato.

I - Una passione precoce. E di cosa trattava la sua prima poesia?

A - La maestra ci chiese di scrivere una preghiera per Maria, la Madonna, la madre di Cristo. Molti miei compagni, ai posti, severi, mangiucchiando l'estremità delle penne o delle matite non sapevano da dove cominciare quando io mi presentai a lei tra i primi con una preghiera-poesia scritta di getto. Ella mi rimproverò perché credeva che fosse il solito mio compito eseguito in fretta e male ma quando lesse la poesia rimase meravigliata. Da allora, per la classe, io ero "il poeta".

I - Un titolo impegnativo. Cosa vuol dire, per lei essere poeta?

A - Racchiudere in poche parole tutta la gioia e tutto il dolore del mondo. Creare, potere divino. Portare giustizia, predicare libertà, sognare fratellanza.

I - Crede di esserci mai riuscito?

A - Sempre e mai. Sempre quando una poesia la sentiamo nostra può ambire a diventare patrimonio comune. Perché molti, leggendo Giacomo, si incantano a pensare all'infinito oltre la siepe? Però in poesia non si finisce mai...

I - Giacomo lei intende Giacomo Leopardi. Non le sembra di avere un rapporto un po' troppo intimo?

A - Veda, essere poeti vuol dire entrare a far parte di una piccola cerchia di amici che tende a includere nell'amicizia l'umanità. Belli ordinò che i suoi Sonetti romaneschi fossero bruciati, ma in verità sperava che gli dessero gloria. Altrimenti perché non li ha bruciati egli stesso?

I - Evidentemente... però anche gli scrittori hanno questo fuoco sacro e bruciano manoscritti. Lei conoscerà che sorte ha avuto il seguito delle Anime morte di Gogol.

A - Gogol è stato uno scrittore poetico, tuttavia la sua sensibilità non ha trovato persone altrettanto sensibili da potergli consigliare ciò che la letteratura russa e l'umanità avrebbe avuto bisogno: di quelle carte distrutte.

I - Lei ha mai distrutto qualche carta?

A - Rarissimamente. Ne conservo alcune con poesie talmente brutte che meriterebbero il rogo ma penso che lavorandoci un po', piallandole, migliorandole, sarebbero capolavori. Questa sola possibilità che la poesia ha di creare e ricreare vale il mistero della sua luce.

I - Bene. Veda, io sono venuta a da lei avendo studiato un po' della sua bibliografia e dunque le farò qualche domanda iniziando dai libri che lei ha pubblicato.

A - Con piacere.

I - Il suo esordio è stato segnato da Sotto casa si prostituiscono che lei ha editato alla fine del 2010. Sembra un genere di libro che qualcuno potrebbe etichettare come... moralistica.

A - La ringrazio per la domanda. La raccolta di quattro racconti non parla di moralismo ma di morale. La mancata ricezione della differenza etimologica tra parole della medesima radice è la prova più certa per dire che il nostro tempo ha poca scientificità.

I - Perché dunque non si tratta di una raccolta moralistica ma morale.

A - Si parla di persone in crisi in un tempo di crisi. Per morale si intende la priorità gerarchica che ogni individuo dà alle scelte della propria vita. I miei personaggi sono morali e questo è un vanto. Come Renzo, come Lucia, come Levin, come Ingravallo. Sono anche etici, come Alesa. In questa raccolta sono persino, a tratti, ironici, come Tristam Shandy.

I - Dunque diversi riferimenti letterari. Quale autore l'ha segnata di più quando si è apprestato a scrivere Sotto casa si prostituiscono?

A - Quali autori. Diversi autori della Bibbia.

I - I passi che incriminano la prostituzione, immagino.

A - Non solo. Non si parla solo di prostitute. Il sottotitolo è esemplificativo: il mondo inizia sotto casa. Sotto casa mia, in barba alle leggi dell'edilizia, a quelle comunali, al buon senso civico e quello urbanistico-architettonico, si apprestavano in quel tempo a buttare giù una vecchia masseria tipica delle Puglie per fare l'ennesimo orribile palazzo moderno. Dunque i prostituti erano progettisti, ingegneri, operai e politici. Tutti coloro che si sono divorati la mia città natale, Foggia.

I - Dunque uno dei temi a lei più cari è Foggia?

A - Certo, torna spesso nelle mie opere, in lode e in rimprovero.

I - Dopo Sotto casa si prostituiscono lei presenta, era il 20 Aprile 2011, al Palazzo Dogana di Foggia, il romanzo storico Il destino della luna sul fiume. Cosa voleva trasmettere con quel lavoro?

A - Era il 2011 e volevo trasmettere l'urgenza della necessità di capire il nuovo mondo del nuovo millennio. Un tempo fatto di guerre e ingiustizie che ha prodotto, rapidamente, emigrazione di massa che è diventata un problema grave e un'enorme possibilità di costruire una società di tollerenza e di fratellanza come mai prima d'allora. Durante l'impero romano uomini di colore vivevano a Roma e in Italia ma da schiavi. Qui si trattava di accettarli come fratelli. Un passo religioso e umano enorme che non è stato capito del tutto.

I - E un romanzo può aiutare a far questo?

A - Deve. Una storia vera di emigranti italiani in America tra fine Ottocento e inizio Novecento, con una particolarità narrativa: il doppio protagonista. Per tre quarti di libro il protagonista è Carlo, nell'ultimo quarto è suo figlio. La loro parabola deve produrre un ripensamento dell'oggi. Questa è letteratura.

I - Non le sembra di attribuire un ruolo troppo pesante alla letteratura?

A - Affatto. La società sbaglia a non attribuire un valore alto alla letteratura. Ogni grande civiltà umana ha avuto una grande letteratura.

I - Bene, continuiamo a parlare delle sue produzioni. Dopo una raccolta di racconti ed un romanzo storico lei vira per la poesia. Perché, se ci ha detto di scrivere poesie sin da bambino e di sentirsi un poeta, aspettare così tanto per una silloge?

A - Perché la poesia è una lingua più difficile da parlare e più difficile da comprendere. Come se io le rispondessi, ora, in aramaico e lei mi capisse. Parla aramaico?

I - No, no di certo. E di Musa Daunia, allora, cosa ci può dire? Parla della sua terra e...

A - Parla della mia terra come di una dea. Una teofania. La Poesia è un incontro teofanico. Però non si lasci ingannare, non tutti i versi parlano di Foggia o di Puglia. Il messaggio era che la poesia, che io scriva di Foggia o della cattedrale di Montichiari, è un incontro col divino e che io il divino l'ho conosciuto nella mediocre pallida esilarante e straordinaria Daunia.

I - Parla di Daunia in versi ma poi torna al genere storico con Il sole sanguina fra gli ulivi.


A - Quello che inauguro con questo libro è un genere nuovo, che definirei romanzo deromanzato. Vuol dire di qualcosa che, anche vicino a soluzione non si risolve. Questa sospensione, in questo romanzo non c'è ma è, diciamo così, abbozzata. Negli altri scritti non ufficiali come in Vite di sognatori sconosciuti e soprattutto Il sigillo del poeta anonimo, questa nuova forma di romanzo deromanzato è più accentuata. Non è tuttavia una novità assoluta, il pastiche di Gadda può sembrare molto simile. Consideri, però, che intendo lavorare ancora a questa forma letteraria che è solo al principio, deve essere ancora tutta esplorata e stabilita.


I - Interessante. Ci spieghi meglio. Deromanzato in quanto senza matrice organica nel tessuto narrativo o per i temi, del tutto decontestualizzati, o cos'altro...

A - La invito a leggere Il sole sanguina fra gli ulivi. Non è semplicemente una spy story, questo detective dell'Antica Roma che deve stanare dei Cristiani mischiandosi ad essi ma è il racconto organico di una società che viene ampiamente sovvertita dalla non violenza del Cristianesimo primitivo e illegale. Roma aveva vinto eserciti e generali ma non aveva mai dovuto affrontare dei martiri. Questo capovolgimento di fronte diventa capovolgimento anche narrativo. Ad un certo punto della vicenda ho provato a stravolgere le componenti morali dei personaggi ed è venuta fuori una storia deromanzata. Ancora troppo poco deromanzata ma un inizio...

A - D'accordo. E siamo quindi giunti al suo ultimo passo ufficiale, mentre ricordo, come lei diceva prima, che ha molti scritti in giro nel web che non sono pubblicazioni ufficiali...

I - Giusto. Sono bozze di lavoro le lascio per ora così, anche Michelangelo ha lasciato alcuni suoi lavori incompleti...

A - Si paragona a ...

I - Mai sia. Alla sua etica professionale.

A - Ha usato etica professionale anche nella sua ultima fatica, Sidera Dantis?

I - Sidera Dantis è un'opera completa perché unisce la bravura pittorica di Rodolfo (Lacquaniti J.) e dell'introduzione immediata ed intima dell'amica e poetessa Costantini. In Sidera non si è voluto rifare Dante che sarebbe stato improponibile, al momento, e fuoriluogo. Si è presa la sua carica emotiva ed etico-morale e la si è impressa ad un tempo, il nostro, che per molti versi è ancora medievale. Medievale ha in Sidera Dantis una doppia accezione: positiva, come tempo di sperimentazione, di innovazione, di ricerca; negativa, come partiti che si scontrano violentemente, retorica fine a se stessa, divisione e crisi etico-morale in una società che ha cancellato i valori precedenti, senza una valida motivazione, ma non li ha sostenuti con altri altrettanto validi.

A - Sfogliandola è un'opera duttile, a tratti ispida.

I - Duttile ed ispida credo che siano due aggettivi che qualificano bene Sidera, ma non sarebbero gli unici.

A - Ne suggerisce altri?

I - Quando mi riferisco in dialetto a Dante, nel sonetto proemiale, secondo lei che operazione retorico-poetico sto compiendo?

A - Sta dando vita ad un sogno, regala una dimensione onirica al personaggio Dante con cui lei parla...

I - Ha perfettamente inteso.

A - In dialetto?

I - Medioevo, ricorda? Il dialetto in senso positivo è la valorizzazione del popolo in quanto lingua del popolo, verace e schietta, ma è anche la volgarizzazione della società, delle sue mode, dei suoi orientamenti.

A - Un'opera a due facce, tutta da scoprire, quindi...

I - Tutta da scoprire. Ci sono poesie che, se le rileggo, non mi sembra nemmeno di avere scritto io ma un grande poeta.

A - Eh, eh... Non si riconosce grande poeta...

I - Beh, ma Con le stelle di Dante anche un albero è una foresta.




Intervista di

Sara Ruth Della Scala

 

---

 

INTERVIEWER - Hello and thank you for accepting our interview.
AUTHOR - Thank you!
I - So, Vito Lorenzo Dioguardi, she wrote both novels and short stories collections of poetry. He feels more writer or poet?
AUTHOR - Poet. I wrote my first public poetry in the fifth grade. Since then I have never stopped.
I - An early passion. And what was his first poem?
A - The teacher asked us to write a prayer to Mary, the Virgin Mary, the mother of Christ. Many of my comrades, to places, strict, nibbling the ends of pens or pencils they did not know where to start when I showed her one of the first with a written prayer-poem tossed. She scolded me because he believed it was the usually my job done quickly and badly, but when he read the poem was amazed. Since then, for the class, I was "the poet".
I - A binding. What does it mean to you to be a poet?
A - Enclose in a few words all the joy and all the pain of the world. Create, divine power. Bring justice, preaching freedom, dream brotherhood.
I - I Believed to be ever succeeded?
A - Always and never. Always when a poem we feel ours can aspire to become common heritage. Because many, reading James, you enchant thinking endlessly over the fence? But in poetry you never stop ...
I - you mean Giacomo Leopardi. Does not it seem to have a relationship a bit 'too intimate?
A - Veda, be a poet means to be part of a small circle of friends tends to include in friendship humanity. Belli ordered his Sonnets romaneschi were burned, but in truth he hoped to give him glory. Otherwise why you not burned them himself?
I - obviously ... but also the writers have this sacred fire and burn manuscripts. You know that fate had the result of the Souls of Gogol's death.
A - Gogol was a poetic writer, yet his feelings did not find equally sensitive potergli recommend what Russian literature and humanity would need: of those destroyed cards.
I - Have you ever destroyed some paper?
A - is extremely rare. I keep some with poems so bad that deserve the stake but I think working on it a bit ', piallandole, improving them, they would be masterpieces. This one possibility that poetry has to create and re-create it the mystery of His light.
I - Well. See, I have come to her having studied a bit 'of his bibliography, and therefore will bring them some questions starting from the books she has published.
A - With pleasure.
I - His debut was marked by Under house prostitutes she has edited at the end of 2010. It seems a kind of book that some would label as ... moralistic.


A - Thank you for the question. The collection of four short stories is not about moralizing but moral. The failure to receive the difference between the same etymological root words is the most certain proof to say that our time has little scientific.
I - Why, then, this is not a moralistic collection but moral.
A - We talk about people in crisis in a time of crisis. For moral means the hierarchical priorities that every individual gives to the choices of their lives. My characters are moral and that is a source of pride. As Renzo, as Lucia, like Levin, as Ingravallo. They are also ethical, as Alyosha. In this collection they are even, at times, ironic, as Tristram Shandy.
I - So many literary references. What the author has marked more when it was preparing to write Downstairs in prostitution?
A - What authors. Several authors of the Bible.
I - The steps that incriminate prostitution, I guess.
A - Not only. Not just talking about prostitutes. The subtitle is illustrative: the world begins in the home. In my house, in spite of the construction laws, to those municipalities, good citizenship and the urban-architectural, were preparing at that time to throw down an old farm typical of Puglia to make the hideous modern building yet another. Therefore prostitutes were designers, engineers, workers and politicians. All those who have devoured my hometown, Foggia.
I - So one of the themes of her dearest is Foggia?
A - Sure, come back often in my work, in praise and reproach.
I - After Downstairs prostituting her presents, was April 20, 2011, the Customs Building of Foggia, the historical novel The fate of the moon on the river. What he wanted to convey with that job?


A - It was 2011 and I wanted to convey the urgency of the need to understand the new world of the new millennium. Once it made of wars and injustices that produced quickly, mass emigration that has become a serious problem and a huge opportunity to build a society Tolerance and brotherhood like never before. During the Roman Empire black men living in Rome and Italy but by slaves. Here it was to accept them as brothers. A religious and enormous human step that has not been understood completely.
I - And a novel can help you do this?
A - It has to. A true story of Italian emigrants to America in the late nineteenth and early twentieth century, with a particular narrative: the double protagonist. For three quarters of the book the protagonist is Charles, the last quarter is his son. Their parable is to produce a re-thinking of today. This is literature.
I - Does not it seem to attribute too heavy a role to literature?
A - Not at all. The company is wrong to not assign a high value to literature. Every great human civilization has had a great literature.
I - Well, we continue to talk of his productions. After a short story collection and a historical novel she turns to poetry. Because, if you told us to write poetry as a child and to feel a poet, so much waiting for an anthology?


A - Because poetry is a difficult language to speak and more difficult to understand. As if I were I answered, now, in Aramaic and she understood me. Aramaic speaking?
I - No, of course not. And Musa Daunia, then, what can you tell? He speaks of his homeland and ...
A - He speaks of my land as a goddess. A theophany. Poetry is a theophanic meeting. But do not be fooled, not all the verses speak of Foggia or Puglia. The message was that poetry, that I write Foggia or the Montichiari Cathedral, is an encounter with the divine and the divine that I've known in mediocre pale hilarious and extraordinary Daunia.
I - Talk of Daunia in verse but then returns to the historical genre with The sun bleeds through the olive groves.




A - What I inaugurate with this book is a new genre, I would call deromanzato novel. It means something that even close to solution is not resolved. This suspension, in this novel, but there is, shall we say, sketchy. In other writings unofficial as in screw unknown dreamers and especially the seal of the anonymous poet, this new form of deromanzato novel is more pronounced. however, it is not a novelty, the pastiche of Gadda may seem very similar. Consider, though, that I intend to work even to this literary form that is only the beginning, is yet to be explored and established throughout.


I - Interesting. Explain better. Deromanzato because no organic matrix in the narrative fabric or themes, totally out of context, or else ...
A - The invitation to read The sun bleeds through the olive groves. It is not simply a spy story, the detective of ancient Rome that has to flush out the Christians mingled with them but it is the organic story of a company that is not widely subverted by the violence of primitive and illegal Christianity. Rome had won armies and generals but he had never had to deal with the martyrs. This reversal in the face also becomes narrative reversal. At one point of the story I tried to distort the moral components of the characters and is coming off a deromanzata history. Too little deromanzata but a beginning ...
A - All right. And then we come to his last official step, as I remember, as you said before, that many writings around the web which are not official publications ...
I - Right. Are working drafts I leave for now as well, even Michelangelo has left some of his unfinished works ...
A - It compares to ...
I - Never both. To his work ethic.
A - he used professional ethics even in his latest work, Sidera Dantis?


I - Sidera Dantis is a complete work because it combines the pictorial skill Rodolfo (Lacquaniti J.) and the introduction of immediate and intimate the friend and poet Costantini. In Sidera he has not wanted to redo that Dante would have been unthinkable at the time, and of place. It has taken its emotional and ethical-moral and was impressed at the same time, ours, which in many ways is still medieval. Medieval Sidera Dantis has a double meaning: positive, as a testing time, innovation, research; negative, as parties that clash violently, fine rhetoric to itself, division and ethical-moral crisis in a company that has deleted the previous values, without a valid reason, but it did not support them with other equally valid.
A - While browsing through this work is flexible, sometimes bristly.
I - Ductile and bristly believe that they are two adjectives that can qualify well Sidera, but would not be the only ones.
A - It suggests other?
I - When I speak in dialect with Dante, in the prefatory sonnet, she believes that rhetorical-poetic task I am doing?
A - He is giving life to a dream, gives a dreamlike dimension to the character Dante with which you speak ...
I - it perfectly understood.
A - In the dialect?
I - the Middle Ages, remember? The dialect in a positive way is the enhancement of the people as the language of the people, truthful and forthright, but also is the vulgarization of the Company, its fashions, its guidelines.
A - A work with two faces, waiting to be discovered, so ...
I - I Come and see. There are poems that if I reread them, I do not even seem to have written myself but a great poet.
A - Well, well ... Do not you recognize the great poet ...
I - Well, but with the stars of Dante even a tree is a forest.






interview
Sara Ruth Della Scala

 

Il genio e l'amico

 

Questa testa di giovane di profilo, di Leonardo, dovrebbe ritrarre il suo allievo e amico Gian Giacomo Caprotti.

 

 
Altri articoli...